mercredi 22 novembre 2017

Manifeste Obèriou



Note liminaire

Il semble pertinent de donner à lire le dernier manifeste de l’Art de Gauche dans ce qu’était alors l’urss. Art de Gauche signifiant en ces temps et en ces lieux ce que l’Occident appelait Avant-garde. Pertinent, car des créateurs de l’importance de Daniil Harms, Alexandre Vvédenski, Nikolaï Zabolotski, Konstantin Vaguinov, ou encore Guennadi Gor, entres autres, furent de cette aventure. Les deux premiers, qui ont 22 ans au moment de ce manifeste, seront pourchassés et disparaîtront dans des conditions tragiques à 37 ans. Fatalité de ces temps et en ces lieux, quand, avant eux, Vladimir Maïakovski et Vélimir Khlebnikov étaient entrés en scène dans la même jeunesse, avant la Révolution, et avant de disparaître au même âge, tragiquement – comme Pouchkine. 






Manifeste OBÈRIOU


Manifeste OBÈRIOU

L’obèriou (Association de l’Art Réel), travaillant à la Maison de la Presse, réunit des travailleurs de toutes disciplines qui acceptent son programme artistique et l’appliquent dans leur œuvre. L’Obèriou est divisé en 4 sections : littéraire, graphique, théâtrale et cinématographique. La section graphique se concentre sur le travail expérimental, les autres sections sont montées les soirs, mises en scènes et publiées dans la presse. À l'heure actuelle, l’Obèriou travaille à l’organisation d’une section musicale.

L’aspect public de l’ obèriou

L’énorme bouleversement révolutionnaire dans la culture et la vie, si caractéristique de notre temps, est retardé dans le domaine de l’art par de nombreux phénomènes anormaux. Nous n’avons pas encore pleinement compris la vérité incontestable selon laquelle le prolétariat, dans le domaine de l’art, ne peut se satisfaire de la méthode artistique des vieilles écoles, que ses principes artistiques vont beaucoup plus loin et minent l’ancien art jusqu’à ses racines mêmes. Il est absurde de penser que Répine, qui a peint 1905, est un artiste révolutionnaire. Il est encore plus absurde de penser que tous l’akhrr [Association des artistes russes révolutionnaires] portent le germe du nouvel art prolétarien.
L’exigence d’un art commun, accessible dans sa forme même à un écolier de village, nous l’acceptons, mais la demande d’un tel art conduit au délire des erreurs les plus terribles. En conséquence, nous avons des tas de vieilleries qui éreintent les libraires, et les lecteurs du premier État prolétarien sont sur les genoux de la fiction psychologisante de l’écrivain bourgeois occidental.
Nous comprenons très bien qu’il est impossible de trouver une seule issue juste à cette situation. Mais nous ne comprenons absolument pas pourquoi un certain nombre d’écoles d’art, travaillant avec ténacité, honnêteté et persévérance dans ce but, sont en marge de l’art, alors qu’elles devraient être soutenues de toutes les manières par tout le public soviétique. Nous ne comprenons pas pourquoi l’école de Filonov est expulsée de l'Académie, pourquoi Malevitch ne peut pas déployer son travail architectural en urss, pourquoi a-t-on honteusement hué Le Revizor de Terentiev ? Nous ne comprenons pas pourquoi le soi-disant Art de Gauche, qui a derrière lui beaucoup de mérites et de réalisations, est considéré comme une poubelle sans espoir et pire encore – comme une charlatanerie. Combien de malhonnêteté intérieure, combien d’incompétence artistique se cachent derrière cette approche sauvage.
L’Obèriou apparaît maintenant comme un nouveau détachement de l’art révolutionnaire de gauche. L’Obèriou n’effleure pas les sujets et les sommets de la créativité – elle cherche une vision du monde et une approche des choses organiquement nouvelles. L’Obèriou mord dans le cœur du mot, de l’action dramatique et du film.
La nouvelle méthode artistique de l’Obèriou est universelle, elle trouve les moyens de représenter n’importe quel sujet. L’Obèriou est révolutionnaire précisément du fait de cette méthode.
Nous n’avons pas la prétention de voir déjà ainsi notre travail, de penser même y parvenir pour finir. Mais nous croyons fermement que la fondation est solide et que nous avons suffisamment de force pour la poursuite de la construction. Nous croyons et savons que seule la voie de l’Art de Gauche nous conduira vers une nouvelle culture artistique prolétarienne. 

Poésie des obèrioutes

Qui sommes-nous ? Et pourquoi nous ? Nous, les Obèrioutes, nous sommes des travailleurs honnêtes de notre art. Nous sommes les poètes d’une attitude nouvelle et d’un art nouveau. Nous sommes les créateurs non seulement d’un nouveau langage poétique, mais aussi les créateurs d’une nouvelle façon de sentir la vie et ses sujets. Notre volonté de créativité est universelle : elle surmonte toutes les disciplines et se brise contre la vie, en l’embrassant par tous ses côtés. Et le monde, parsemé de langues d’une multitude d’imbéciles, enchevêtrés dans une forme d’expériences et d’émotions, renaît maintenant dans la pureté de leurs formes concrètes et courageuses. Quelques-uns aujourd’hui nous appellent “douteurs”. Il est difficile de trancher – de quoi s’agit-il – dans un malentendu complet et une incompréhension désespérée des fondements de la créativité verbale ? Il n’y a pas d’école qui nous est plus hostile que les zaoumistes. Les gens sont réels et concrets jusqu’au cœur, nous sommes les premiers ennemis de ceux qui perturbent la parole et la transforment en une bâtarde impuissante et insensée. Dans notre travail, nous élargissons et approfondissons la signification du sujet et du mot, mais nous ne le détruisons en aucune façon. Un objet concret, débarrassé des cendres littéraires et quotidiennes, est la propriété de l’art. En poésie, le choc des significations verbales exprime ce sujet avec la précision de la mécanique. Commenceriez-vous à objecter que ce n’est pas l’objet que vous voyez dans la vie ? Approchez-vous et touchez-le avec vos doigts. Regardez le sujet avec vos yeux nus et vous le verrez pour la première fois débarrassé de la minable dorure littéraire. Peut-être argumenterez-vous que nos histoires ne sont “pas réelles” et “pas logiques” ? Et qui a dit que la logique matérielle est indispensable à l’art ? Nous sommes émerveillés par la beauté de la femme peinte, malgré le fait que, contrairement à la logique anatomique, l’artiste a tordu l’omoplate de son héroïne pour la déplacer. L’art a sa propre logique et il ne détruit pas un objet, mais il aide à le connaître.
Nous élargissons la signification du sujet, des mots et des actions. Ce travail va dans des directions différentes, chacun de nous a son propre visage créatif, et ce fait souvent en déroute certains. Ils parlent de connexion aléatoire de différentes personnes. Apparemment, ont croit qu’une école littéraire c’est quelque chose comme un monastère, où les moines ont le même visage. Notre association est libre et volontaire, elle met en relation des maîtres, pas des apprentis – des artistes, pas des peintres. Tout le monde se connaît et tout le monde sait ce qu'il est en relation avec les autres.
A. Vvédenski (l’extrême gauche de notre association), met le sujet en pièces, mais de là le sujet ne perd pas son aspect concret. Vvédenski met l’action en morceaux, mais l’action ne perd pas sa régularité créative. Si vous le déchiffrez jusqu’au bout, vous obtiendrez le résultat – au-delà l’apparence de non-sens. Pourquoi est nécessaire la visibilité ? Parce que le simple non-sens sera un mot abstrus, et ce n’est pas dans le travail de Vvédenski. Il est nécessaire d’être plus curieux et de n’être pas trop paresseux pour prendre en considération le choc des significations verbales. La poésie n’est pas une bouillie de semoule qui est avalée sans mâcher et qui est immédiatement oubliée.
K. Vaguinov, dont la fantasmagorie passe devant les yeux comme vêtu de brouillard et mouvant. Cependant, à travers ce brouillard on perçoit la proximité de l’objet et sa chaleur, on perçoit l’afflux de foules et le balancement des arbres qui vivent et respirent à leur manière, à la Vaguinov, car l’artiste les façonne de ses propres mains et les réchauffe de son souffle.
Igor Bahktérev est un poète qui réalise ses figures dans la coloration lyrique de son sujet. Le sujet et l’action, décomposés en leurs parties constituantes, sont mis à jour par l'esprit de la nouvelle poésie lyrique Obèrioute. Mais les paroles n’ont pas de valeur ici, ce n'est rien de plus qu’un moyen de faire passer le sujet dans le champ d’une nouvelle perception artistique.
N. Zabolotski, poète de figures concrètes et nues, poussées au plus près des yeux du spectateur. L’écouter et le lire devraient être plus une affaire pour les yeux et les doigts, plutôt que les oreilles. L’objet n’est pas détruit, mais au contraire, il est bricolé et compacté jusqu’à être rejeté, comme s’il était prêt à rencontrer la main palpable du spectateur. Le déroulement de l’action et la situation jouent un rôle auxiliaire dans cette tâche principale.
Daniil Harms est un poète et un dramaturge, dont l'attention n’est pas centrée sur une figure statique, mais sur la collision de plusieurs sujets, sur leurs relations mutuelles. Au moment de l’action, l’objet prend de nouveaux contours concrets, pleins de sens réel. L’action, reconstruite d'une manière nouvelle, conserve une “empreinte classique” et dans le même temps elle représente une large portée de la vision du monde obèrioute.
Boris Lévine est un prosateur, qui travaille actuellement à titre expérimental.
Ce sont les ébauches de la section littéraire de notre association dans son ensemble et chacun d’entre nous individuellement, le reste sera perceptible dans nos poèmes.
Individus d’un monde concret, un objet et un mot, dans cette direction, nous voyons alors notre signification sociale. Railler le monde d’un mouvement de la main, nettoyer l’objet de l’ordure des vieilles cultures délabrées, n’est-ce pas là un besoin réel de notre temps ? Par conséquent, notre association s’appelle obèriou – Association de l’Art Réel. 

Sur le chemin d’un nouveau cinéma

Le cinéma en tant qu’art, fondamentalement indépendant à cette époque, n’était pas il y a peu. Il y avait des empreints aux “arts” anciens et, au mieux, des tentatives timides de tracer de nouvelles voies à la recherche d'un vrai langage cinématographique. Donc c’était hier ...
Maintenant, pour le cinéma, il est temps de trouver votre vrai visage, de trouver vos propres moyens d’impression, et le vôtre, vraiment votre propre langue. Personne n’est capable de “déverrouiller” le cinéma à venir, et aujourd’hui nous ne promettons pas non plus de le faire. Pour tous, cela va prendre du temps.
Mais expérimenter, trouver des chemins pour un nouveau cinéma et affirmer de nouvelles étapes artistiques, est le devoir de tout bon directeur de la photographie. Et nous le faisons.
Dans une courte note, ce n’est pas le lieu de rentrer en détail sur tout notre travail. Maintenant – seulement quelques mots sur le film N°1 déjà fini. L’heure du sujet dans le film est passée. Maintenant les genres les plus non-cinématiques sont précisément, en raison de leur thématique, le film d’aventure et le dessin animé. Lorsque le thème (intrigue, intrigue) est autosuffisant, ils subordonnent le matériel, et la découverte de matériel spécifique et original est déjà la clé pour trouver un langage cinématographique. Le film N°1 est la première étape de notre travail expérimental. Nous ne nous soucions pas de l’intrigue, nous sommes intéressés par “l'atmosphère” du matériel que nous avons pris – le sujet. Les éléments individuels du film peuvent ne pas être liés les uns aux autres dans le respect intrigue-sémantique, ils peuvent être aux antipodes dans la nature. Le point, nous le répétons, n’est pas là. Le point, dans sa totalité, concerne “l'atmosphère” qui est particulière à ce matériel – le sujet. Déverrouiller cette atmosphère est notre première préoccupation. La façon dont nous résolvons ce problème est plus facile à comprendre lorsque nous voyons le film à l’écran.
Pas d’autopromotion mais le 24 janvier à la Maison de la Presse – notre performance. Là nous projetterons le film et parlerons en détail de nos recherches. Ce film a été fait par les auteurs du film N°1 – par les réalisateurs Alexander Razoumovski et Clément Mintz.
Théâtre obèrioute

Supposons ceci : deux personnes arrivent sur scène, elles ne disent rien, mais elles se parlent néanmoins – par signes. En même temps, ils gonflent leurs joues triomphantes. Le public rit. Est-ce que ce sera du théâtre ? Oui. Vous direz : une farce ? Mais une farce est du théâtre.
Ou alors : la toile est déroulée sur scène, sur la toile est peint un village. La scène est sombre. Ensuite, il commence à venir de la lumière. Un homme en costume de berger arrive sur la scène et joue du pipeau. Est-ce que ce sera du théâtre ? Oui.
Une chaise apparaît sur la scène, un samovar est sur la chaise. Le samovar est en ébullition. Et au lieu de la vapeur, des mains nues sortent du couvercle.
Et tout cela : l'homme et ses mouvements sur la scène, le samovar bouillonnant et le village – peint toile et la lumière qui s’allume et s’éteint – tous ces éléments sont des éléments théâtraux distincts. Jusqu’à présent, tous ces éléments étaient soumis à une intrigue dramatique – une pièce de théâtre. Une pièce de théâtre était une histoire, avec des visages et des événements. Et sur la scène, tout le monde faisait en sorte que tout soit expliqué et que se déroulent les événements, plus le clairement et le plus près de la vie.
Le théâtre n’est pas du tout cela. Si un acteur jouant un pasteur commence à marcher sur scène à quatre pattes et en même temps hurlent comme un loup ; ou si un acteur jouant moujik, fera soudain un long discours en latin –- ce sera du théâtre, il intéressera le spectateur – même si cela se passe en dehors de toute relation avec le sujet dramatique. Ce sera un moment distinct – un certain nombre de ces moments, organisés sur la scène, va créer une performance théâtrale qui a sa propre intrigue et sa signification scénique.
Ce sera l’intrigue que seul le théâtre peut donner. L’intrigue de la représentation théâtrale est théâtrale, comme le sujet de l’œuvre musicale est musical. Toutes représentent une chose : le monde des phénomènes, selon le matériau, et il est transmis différemment, selon ses moyens.
Quand vous venez à nous, oubliez tout ce que vous avez l’habitude de voir dans tous les théâtres. Vous pourrez trouver beaucoup de choses ridicules. Nous prenons une intrigue - dramaturgique. Elle se développe au début simplement, puis il intervient soudain des moments étranges, évidemment absurdes. Vous êtes surpris. Vous voulez retrouver le schéma logique habituel, que vous pensez voir dans la vie. Mais il n’y sera pas ! Pourquoi ? Parce que l'objet et le phénomène, transférés de la vie à la scène, perdent leur régularité “vivante” et en acquièrent une autre : théâtrale. Nous ne l’expliquerons pas. Pour comprendre le mécanisme d’une performance théâtrale, il faut la voir. Nous pouvons seulement dire que notre tâche est de mettre en scène le monde des objets concrets dans leurs relations mutuelles et par leurs collisions. Nous travaillons à résoudre ce problème dans notre mise en scène d’Elizabeth Bam.
Elizabeth Bam a été écrit à la demande de la section théâtre du membre de la section Obèriou par D. Harms. L’intrigue dramatique de la pièce est rompue par de nombreux thèmes, apparemment étrangers, qui isolent le sujet, comme un tout isolé, déconnecté du reste, de l’environnement ; donc l'intrigue est dramatique mais ne se déroule par devant le spectateur comme une histoire claire, elle semble planer derrière l’action. Pour la remplacer, vient l’intrigue scénique, découlant spontanément de tous les éléments de notre performance. C’est là que se concentre toute notre attention. Mais en même temps, les éléments individuels de la pièce sont précieux en soi et pour nous. Ils mènent leur propre vie, n’obéissant pas au métronome théâtral. Ici, ils sortent du cadre doré, ils vivent comme un objet d’art ; là, un fragment de poème est lu, il est indépendante du sens et, en même temps, indépendamment de sa volonté, il pousse en avant le plan scénique de la pièce. Le décor, les mouvements de l’acteur, une bouteille abandonnée, la queue d’un costume sont aussi des acteurs comme ceux qui hochent la tête et disent des mots et des phrases diverses.

Le programme a été conçu par I. Bakhtérev, Bor. Levin et Daniil Harms.
Mise en scène d’I. Bakhtérev


1927
(trad. Inès Duprè)

dimanche 31 janvier 2016

Ouverture de "A 12" de Louis Zukofsky




D’un besoin profond
Quatre trombones et l’orgue dans la nef
Une torche surgie –
Réglèrent le thème sur le nom de Bach,
Noir, mélèze et strie, nuit :
De mon corps aux autres corps
Anges et salauds interchangeablement
Qui feraient mieux de chanter et de dire des histoires
Avant que tout ne soit séparé abstrait.
Ainsi :  d’abord, forme
La création –
Une brume de la terre,
Toute la surface du sol ;
Alors rythme
Et souffle soufflée de la vie ;
Alors style
Qui tire sa fonction de l’œil –
“Goût” dirons-nous – une âme vivante.
D’abord, glyphe ; ensuite syllabaire,
Alors les lettres.   Ratio d’après
Les yeux, conte par le son. D’abord, danse. Alors
Voix. D’abord, le corps – pour qu'être vu et pulser
Se produisent ensemble.
Avant le vide il n’y eut ni
Etre ni non-être ;
Le désir, venu de la chaleur,
Ou lequel d'abord ?
Jusqu’à ce que les sages regardent en leurs cœurs
La parenté de ce qui est et de ce qui n’est pas.
    Ou dans le cœur ou dans la tête ?
        Chœur de plus de trois millénaires.


(Trad. Philippe Blanchon)